Que es el Arte

¿QUE ES ARTE?

Cultura / Historia

DEFINICIÓN DE ARTE

¿Que es arte? Una gran pregunta que todavía plantea muchas preguntas hoy. La respuesta no es sencilla y el significado evoluciona a lo largo de las edades y civilizaciones.

Hay tantas definiciones de arte como artistas y amantes del arte en el mundo, pero se puede estar razonablemente de acuerdo en que el arte siempre provoca cambios: pequeños o pequeños, grandes, personales o universales. La razón de ser del arte es provocar sensación.
El arte es una actividad humana, el producto de esta actividad o de la idea que se tiene de ella dirigida deliberadamente a los sentidos, las emociones, las intuiciones y el intelecto. Podemos decir que el arte es exclusivo del Hombre, y que esta actividad no tiene una función práctica definida. El término «arte» se considera en oposición a la naturaleza «concebida como un poder productor sin reflexión» ya la ciencia «concebida como puro conocimiento independiente de las aplicaciones».

El escritor Claude Roy resume así este pluralismo de la noción de arte: “La noción de arte, ya sea
arte negro, arte cretense o arte impresionista, sigue siendo imprecisa, inefable e irritante. El arte es lo que mantiene vivo al ídolo muerto como ídolo. El arte es lo que en un objeto sigue sirviendo cuando ya no sirve. «

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CRONOLOGÍA DE LA HISTORIA DEL ARTE

La historia del arte se puede dividir en cinco grandes periodos históricos:

– La Prehistoria

– La Antigüedad

– La Edad Media

– Edad Moderna

– Contemporánea

La prehistoria se extiende desde el nacimiento del género Homo hasta el descubrimiento de la escritura en el 3500 a. Es el nacimiento de las primeras obras humanas consideradas como arte: pinturas, esculturas y adornos rupestres. Entre los ejemplos más bellos aún visibles hoy, las pinturas de las cuevas de Lascaux o las alineaciones megalíticas de Carnac.

La antigüedad comienza con el descubrimiento de la escritura y termina con la caída del Imperio Romano en el año 476. Las prácticas artísticas difieren entonces entre las diferentes civilizaciones: Egipto, Grecia, Etruria, Roma, Oriente Próximo, Mundo Celta, Civilización Precolombina, Subcontinente Indio. Es un período próspero donde predomina el trabajo de la cerámica, la escultura y la arquitectura. Fue también durante este período cuando la escritura adquirió toda su importancia y se desarrolló la poesía y la filosofía.

La Edad Media comenzó en el año 476 y finalizó en el siglo XV con los Grandes Descubrimientos. Es un período en el que la mayoría del arte está en el dominio religioso. Las iglesias están proliferando. De tamaño modesto en la época románica, se transformaron en majestuosas catedrales con el progreso arquitectónico del arte gótico.

La era moderna comienza en el siglo XV y finaliza en los años 60. Es un período muy rico en términos humanos, que evoluciona enormemente, dando como resultado el nacimiento de muchos movimientos artísticos.
Del siglo XV al XVIII, siglos marcados por la realeza y el poder del Vaticano, el arte es rimbombante en épocas como el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo, el Rococó… Los grandes maestros trabajan principalmente por encargo de príncipes y Papas de Europa. y dejar obras que aún hoy atraen a millones de visitantes como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, el Baldaquino de Bernini, la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, los jardines de Versalles de Le Nôtre o incluso la coronación de Napoleón de David.
Con la invención de la fotografía en 1839, la práctica artística despojada de su función de mimetismo da un giro, esto se denomina arte moderno, periodo que ocupará el siglo XIX y la primera mitad del siglo XX. Período próspero, vio nacer importantes movimientos artísticos como el impresionismo o el fauvismo. Luego, con la 1ª guerra mundial, los artistas parten en busca de un rumbo y crean movimientos como el expresionismo o el dadaísmo para plantar cara a toda esta locura humana.
En la segunda mitad del siglo XX, el movimiento continuó y apareció el arte abstracto. Los cambios iniciados hasta entonces cobran todo su sentido cuando los artistas deciden desligarse por completo de lo figurativo para producir obras que son sólo colores. La arquitectura con la Bauhaus le da un lugar privilegiado a la pintura donde movimientos como el cubismo abstracto, el expresionismo abstracto, el arte informal compiten para producir formas puras desligadas de cualquier significado figurativo.

Último período histórico, en el que todavía nos encontramos, la era contemporánea que comienza después de la 2ª guerra mundial. Las tendencias artísticas proliferan en un momento en que el arte es muy a menudo un reflejo de la sociedad.

  1. Arte Contemporáneo: definiciónEl término Arte Contemporáneo designa la práctica artística ejercida desde 1945. Se trata por tanto de un período histórico y no de un movimiento artístico. La historia del arte sitúa este período como sucesor del Arte Moderno (1900 -1945). La expresión “Arte Contemporáneo” se impuso a partir de la década de 1980 cuando los poderes públicos comenzaron a promover y apoyar la creación contemporánea. Antes, el arte concernía a un círculo de iniciados; con la irrupción de los medios de comunicación de masas, el conocimiento de obras y artistas se ha extendido hasta formar parte de nuestro paisaje cotidiano. Como lo expresó Andy Warhol, el arte se ha convertido en una industria, una “fábrica”.
    Por lo tanto, el arte contemporáneo se caracteriza por varios estilos y prácticas estéticas que son exclusivos de los artistas. La increíble diversidad de sus formas y estilos es confusa. Liberado de su papel de mimetismo por la invención de la fotografía y de ataduras morales y sociales, el Arte Contemporáneo inventa prácticas, explora nuevos territorios o reinventa fórmulas ya probadas. Como la reproducción de la realidad ya no es un objetivo, se ponen a prueba las nociones de bello y feo, buen y mal gusto. Porque en realidad, una de las principales características del Arte Contemporáneo es el abundante cuestionamiento que provoca. No se conforma con un proceso estético de reproducción sino que interpela al espectador.
  2. Los diferentes movimientos del Arte Contemporáneo
    • Arte callejero. El Street Art o Arte Urbano es un arte libre que se practica en las calles. Es un movimiento artístico autónomo, incluso paralelo al tag y al graffiti. Sus iniciadores son Daniel Buren, Ernest Pignon-Ernest, sus pioneros Blek le Rat, Jérôme Mesnager. Nació en los años 60 en Nueva York. En Francia, ha florecido principalmente desde mayo de 1968. Allan Kaprow, uno de los primeros artistas en utilizar instalaciones, escribe que “El arte ha pasado del objeto especializado en una galería al entorno urbano real”.
      Si podemos ver inmediatamente similitudes visuales con el graffiti, el mensaje es, sin embargo, muy diferente. Es un arte que tiene como objetivo comunicar un mensaje, ya sea a nivel político, social o de otro tipo.De hecho, los artistas quieren ser subversivos, quieren provocar y representar lo que la gente piensa en silencio, eso es lo que está en el origen de esta corriente. La calle es el lugar más amplio y poderoso para la visibilidad. Este tipo de arte se ve en una multitud de formas y estilos en todas las ciudades. Los artistas callejeros utilizan pintura en aerosol, plantillas, adhesivos, recortes, pinturas, fotografía, mosaicos e incluso producen proyecciones de video. Las diferentes impresiones e ideas creativas dejan su huella en la ciudad y luego se dan a conocer. No son solo grafitis en las murallas de la ciudad, son proyectos ricos y variados que convierten calles y lugares públicos en verdaderas galerías de arte.
    • Expresionismo abstracto. El expresionismo abstracto surgió en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Es el primer movimiento artístico específicamente estadounidense que ejerce una influencia internacional, colocando así a la ciudad de Nueva York en el centro del mundo del arte occidental, mientras que este papel lo había ocupado hasta entonces París.
      Nació como reacción al conformismo y la situación del país tras la Segunda Guerra Mundial. La economía, tras años de crisis, se está recuperando y el arte estadounidense representa una verdadera fuerza cultural. El expresionismo abstracto es apolítico, vanguardista y quiere unir a toda la sociedad. Las obras son muy variadas y el tema principal es el mundo interior donde el color cobra todo su sentido, sujeto real y materia como tal en inmensos lienzos que marcan tanto al autor de la obra como a quien la observa.
      Influenciado por el surrealismo, las teorías del subconsciente y la abstracción de Kandisky, el movimiento realmente aparece durante una exposición en Nueva York, financiada con fondos públicos en 1948. Reúne a muchos artistas de Nueva York que serán descritos como «Escuela de Nueva York». Estos artistas utilizan lienzos muy grandes donde la pintura se extiende por toda la superficie. Las pinceladas se superponen unas sobre otras, hasta el punto de borrarlas paulatinamente para dar ese aspecto casi uniforme, donde el movimiento parece continuar más allá de los bordes del lienzo.
      El expresionismo abstracto se puede dividir en dos ramas principales distintas: pintura de acción y pintura de campo de color.
      La pintura de acción, como su nombre indica, se caracteriza por la acción que el pintor pone en su pincel con el que proyecta violentamente la pintura sobre el lienzo. Los gestos son rápidos, instintivos, incluso espontáneos. El único actor real en este movimiento es Jackson Pollock. De Kooning, que aún no está adherido a esta corriente, y Kline también utilizarán la técnica del «goteo», que describe el flujo de pintura. La pintura es aquí materia, así como su color.
      La pintura Colorfield se centra únicamente en el color y no en el movimiento. Rothko es el iniciador con sus lienzos en los que se disponen zonas planas de color muy ricas y luminosas. Otros pintores como Newman también practicarán la pintura de campos de color.
    • Nuevo Realismo. Movimiento emblemático de la escena artística francesa de la posguerra, el Nuevo Realismo, como movimiento, se centra en una década que vio la constitución del grupo y la expresión de acciones colectivas. Este período, extremadamente denso y vivo, es rápidamente seguido por la afirmación de los viajes personales.
      Desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960, este movimiento se inscribe en una tendencia general de renovación de los lenguajes artísticos (nueva novela, nueva ola, neo-dada, etc.) profundamente ligada a la evolución del mundo post. -guerra. La empresa está entonces marcada por la creciente afirmación del modelo cultural americano. Desde un punto de vista artístico, Nueva York se convierte, después de París, en el nuevo centro artístico mundial. Desde un punto de vista económico, el espectacular auge de la producción industrial está propiciando el nacimiento de una triunfante sociedad de consumo que transforma profundamente el rostro de la vida cotidiana (estética publicitaria, sobreabundancia de imágenes, proliferación de nuevos materiales).
      Históricamente, el movimiento nació el 27 de octubre de 1960, con la Declaración Constitutiva del Nuevo Realismo, orquestada por el crítico Restany. Este último reúne así bajo un mismo lema a los artistas cuya obra, según él, se relaciona con “nuevas perspectivas de acercamiento a la realidad”. Sin embargo, los firmantes de esta declaración, Klein, Raysse, Arman, Dufrêne, Villeglé, Hains, Spoerri, Tinguely y el propio Restany, a los que se añadirán en 1961 Deschamps, Niki de Saint-Phalle, Rotella y Christo, se caracterizan esencialmente por la pretensión justificada de una “singularidad colectiva”.
      Bautizados voluntariamente por el crítico de arte, los representantes del nuevo realismo pueden reconocerse sobre todo por su actitud general de apropiación de la realidad, calificada por Restany como “reciclaje poético de la realidad urbana, industrial, publicitaria”. Integran así en sus obras elementos del mundo cotidiano: vallas, barriles, objetos de plástico, basura, coches o señales de tráfico…
      El método artístico es muy variable: compresiones de Caesar, acumulaciones de Arman, despegue y laceración de carteles de Hains y Villeglé, ensamblajes de objetos plásticos comunes de Raysse, pinturas trampa de Spoerri, esculturas autodestructivas de Tinguely, tiroteos de Niki de Saint-Phalle, packaging de Christo… Herederos directos del dadaísmo (expusieron también en París, en 1961, bajo el título A 40 ° sobre el dadaísmo), los nuevos realistas renuevan la estética del sampleo iniciada por los ready-made de Duchamp dotándola de una dimensión poética y sociológica que Restany destaca, concomitantemente, por su aporte teórico.
    • Minimalismo. El minimalismo (o minimal art) apareció a principios de la década de 1960 en Estados Unidos, como reacción al lirismo pictórico del Expresionismo Abstracto y en oposición a la tendencia figurativa e irónica del Pop Art. Heredero del Modernismo, y más particularmente de la Bauhaus, hizo suya la máxima de uno de los grandes representantes de la Bauhaus, Mies Van der Rohe: “menos es más”.
      La definición de la noción de Minimal Art fue dada a finales de 1965 por el filósofo analítico inglés Richard Wollheim en Arts Magazine a propósito de una exposición en la Green Gallery de Nueva York.
      Entre los grandes representantes del Minimalismo se encuentran los escultores Robert Morris, Carl Andre y Donald Judd, los pintores Frank Stella y Sol Le Witt, y los músicos La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass y Steve Reich. Estos artistas tienen en común favorecer el despojo formal, el reduccionismo y la neutralidad.
      Los pintores minimalistas quieren limitar cualquier rastro de obra pictórica o intervención de la mano del pintor.Asimismo, las obras minimalistas suelen constar de dos o tres colores y formas básicas: círculos, cuadrados, líneas rectas, etc. La simplicidad es primordial y no hay representación subjetiva detrás del minimalismo; está desprovisto de cualquier simbolismo y busca jugar únicamente con las formas y los colores, evitando la emoción en el sentido literal del término: un arte desprovisto de sentimientos.
      En cuanto a los escultores, utilizan volúmenes geométricos simples que deben ser entendidos inmediatamente por lo que son (sin artificios). Los colores, los materiales individuales permiten producir objetos que no tienen historia emocional y por lo tanto el contenido de la escultura no es otro que la escultura misma, es una representación mínima porque se limita a lo ‘esencial’.
      Finalmente, los músicos optan por un material bastante despojado, con uso de drones, técnicas de repetición, cambios de fase con Steve Reich, o sumas/restas de patrones.
    • Arte terrestre. El land art es una tendencia en el arte contemporáneo, utilizando el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, roca, etc.). La mayoría de las veces, las obras están al aire libre, expuestas a la intemperie y sujetas a la erosión natural; así, algunos han desaparecido y sólo queda su memoria fotográfica y videos.Es
      a finales de la década de 1960, en Estados Unidos, cuando aparecen los “Earthworks”, grandes movimientos de tierra realizados por los artistas Robert Smithson, Robert Marris, Walter de Maria… Partiendo de un deseo de salir del marco considerado demasiado restrictivo de las galerías de arte y los museos, los artistas trabajan así en la naturaleza, “in situ”.Buscan sobre todo hacer su creación más viva y en armonía con el lugar que la rodea, modificando y moldeando los paisajes naturales según su inspiración. :
      «Arte en la naturaleza», land art «en buen francés», explica el artista Jean Noël Fessy, «se trata de salir de tu estudio solitario para ir a trabajar en, en conexión con y con la naturaleza, naturaleza que además puede muy bien ser urbano. A menudo puede ser una instalación, es decir, la ambición de integrar su realización en un lugar en lugar de colocarla sobre un pedestal.
      Finalmente, en la práctica, esto se hace a menudo en simposios donde, en un ambiente de fiesta y trabajo, nos encontramos con muchos otros artistas que generalmente son personas interesantes. Por lo tanto, pertenezco a Ainin: Artists in Nature International Network, que reúne a practicantes y organizadores y, por lo tanto, ofrece actividades y reuniones de este tipo en todo el mundo”.
    • Arte conceptual. Aparecido en los años 60 a finales del arte moderno, se desarrolló a partir del arte minimalista, pero los orígenes del arte conceptual se remontan a principios del siglo XX con los ready-mades de Marcel Duchamp. Como ellos, este arte se define no por las cualidades estéticas de los objetos u obras, sino únicamente por el concepto y la idea que transmiten, es ahí donde se encuentra la verdadera belleza.
      Esta práctica engloba diferentes corrientes artísticas como el arte del objeto o el happening. Más bien, se trata de artistas cuyo primer requisito es analizar qué permite que el arte sea arte, un análisis que en sí mismo se lleva a cabo a lo largo de dos líneas principales.
      En el arte conceptual se niega cualquier signo del artista como cualquier mensaje representativo o pictórico. La obra sólo debe reproducir la concepción del artista, es decir, su enfoque espiritual. Para poder entender la obra de arte conceptual, es fundamental tratar de entender al artista y su forma de pensar.
      El arte conceptual no es un movimiento en sí mismo, no tiene una época específica, ni un grupo definido de artistas, es un proceso intelectual. Sin embargo, encontramos su proliferación entre 1965 y 1975. Los artistas conceptuales analizan lo que permite que el arte sea arte, un análisis que en sí conduce en dos direcciones principales:
      Por un lado, tiene la particularidad de que ya no parece preocuparse por el saber hacer del artista o incluso por la idea de que una obra debe estar «terminada», porque es la idea que prima sobre la realización, lo que tiene valor. En consecuencia, toda una parte de la historia del arte puede calificarse de “conceptual”, desde el siglo XV cuando el trabajo de la mente ocupa la mayor parte. Las obras conceptuales son sólo la ilustración de una idea que, en derecho, podrían desarrollarse hasta el infinito.
      Para Sol LeWitt, todo el desarrollo intelectual del proyecto (garabatos, bocetos, dibujos, arrepentimientos, maquetas, estudios, pensamientos, conversaciones) es más valioso que el objeto presentado. “El color, la superficie y la forma solo acentúan los aspectos físicos de la obra. Cualquier cosa que llame la atención sobre la fisicalidad de una obra es perjudicial para la comprensión. «
      Por otro lado, el arte conceptual intenta responder a la pregunta «¿qué es el arte?» “Por medio de la lógica, se trata de definir el arte y nada más que el arte sin contradecirse. El objetivo de esta restricción de la actividad artística es rechazar cualquier objetivo metafísico, juzgado como incierto, para evolucionar solo en el dominio de lo finito, ciertamente viable. Muchos artistas han contribuido a esta investigación, incluidos Joseph Kosuth y Art & Language, Robert Barry, On Kawara, Lawrence Weiner, Victor Burgin, Bernar Venet, Daniel Buren…
      La divergencia de las dos interpretaciones en realidad depende de lo que se entienda por «Conceptual». : la idea, o la tautología. A través de la oposición de las dos orientaciones del arte conceptual, es la elección de lo infinito o lo finito lo que está en juego.

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